Ja, ja, ja!

Faulkner

Y por qué no quiero que mis hijos sean más que amigos si Candance y Quentin más amigos Padre he cometido que lástima que no tengas hermanos ni hermanas. Hermana hermana no tenían una hermana. No preguntes a Quentin él y el señor Compson siempre se consideran algo ofendidos cuando me encuentro con fuerzas suficientes para bajar a la mesa ahora me siento capaz ya lo pagaré después de que todo termine y me hayas quitado a mi niña Mi hermanita no tenía. Si yo pudiera decir Madre. Madre.

Lo lamento, pero no entiendo el porqué de esa devoción... 

Philip Kerr - Una investigación filosófica.

"Que el asesinato puede formar parte de un ideal artístico es una idea mucho más extendida de lo que se pueda pensar. La gente discute sobre el asesinato perfecto con mucha más frecuencia que sobre el cuadro perfecto, el poema perfecto o la sinfonía perfecta. Lo cual bastaría para atreverse a proclamar que de entre todas las bellas artes, sólo en el arte del asesinato se puede lograr la perfección".

La pena máxima. Santiago Rocangliolo.

"Cada uno de los prisioneros llevaba una capucha cerrada, con un par de agujeros para permitir la entrada de aire. Y respiraban. Pero estaban amarrados a su sitio por las extremidades. Los únicos movimientos que hacían eran suaves balanceos para tratar de acomodarse. Y entre ellos, como un zumbido ensordecedor, otra radio transmitía el partido, llena de interrupciones e interferencias".

¿?

«Quien controla el presente controla el pasado y quien controla el pasado controlará el futuro».

The Doors - Alexis Ravelo

“Olvidar no es algo que uno haga, sino algo que sucede. Eso dice en el libro que estoy leyendo. Últimamente me cuesta dormir pensando en esto. Buscando el sueño pongo Radio Revival y leo.

El programa que ponen a partir de las once es una repetición del que dan por la mañana. El tipo que da paso a la música parece joven. Quizá tenga los treinta, pero no creo que llegue a mi edad. Habla del rock como de un pasado que ya no volverá.        Casi toda la música que pone ya la escuché en su momento en discos de vinilo o en casetes grabadas.

En esa época la gente del barrio oía más a Bonney M., Bob Marley o Los Chichos. Yo prefería estas cosas: Lou Reed, Led Zeppelin, Creedence Clearwater Revival, Deep Purple o Jefferson Airplane, esa múscia que te ponía en marcha o que era como una nube en la que podías flotar y mearte en la cara de todo lo solemne.

Ahora están poniendo Rider on the storm y yo, tras encontrarme con esta frase he dejado de leer y me he puesto a pensar y he cogido la libreta para escribir esto”.

La última tumba. Alexis Ravelo.

Riders on the Storm (Jinetes en la tormenta) es una canción del grupo estadounidense The Doors, publicado como single en su álbum de 1971 L.A. Woman, el último disco con participación de Jim Morrison.

La canción comienza con unos sonidos de truenos y lluvia que fueron incorporados con el Fender de Ray Manzarek. Contiene un excelente solo de órgano efectuado por este último, característico de la banda.

La canción está relacionada con el asesino Billy Cook (quien mató a una familia: hizo auto stop y mató a la familia que le recogió), en especial en la línea "There's a killer on the road" (Hay un asesino en la carretera).

Qiu Xiaolong - Shikumen - Shangai

“Al igual que Wan, el Sr. Ren tenía una coartada sin confirmar. Aquella mañana había ido a un restaurante de tallarines llamado Oí Half Place. Había desayunado junto con varios clientes más. según había declarado, aunque no pudo presentar el ticket del restaurante ni la dirección de los demás clientes.

La teoría que desarrolló Oíd Liang era muy elaborada, quizás inspirada en Harbor, una de las óperas revolucionarias de Pekín, escrita a principios de los setenta, en la cual un hombre capitalista llevaba a cabo cualquier actividad de sabotaje movido por el odio profundo que sentía hacia la sociedad socialista. Pero para Yu aquello significaba forzar al máximo un móvil en la vida real de los noventa.

Yu decidió entrevistar al SR. Ren, pero por una razón bastante distinta. En la información sobre el Sr. Ren no se mencionaba ninguna situación fuera de lo normal ni discusión alguna entre él y Yin. Tampoco con el resto de sus vecinos. El SR. Ren era como una persona ajena a la casa, que quizás pudiese ofrecer una visión más objetiva de lo sucedido. De hecho, el “Sr.” delante de su nombre indicaba su estado al margen de la casa shikumen”

Cuando el rojo es negro. Qiu Xiaolong.

 

Shikumen es una tipología de vivienda urbana que se desarrolló y floreció en Shanghai desde alrededor de 1850 a 1950. Significa “puerta de piedra”, en referencia a los arcos de piedra que envuelven cada callejón y la puerta de la casa.

 En la  década de 1860 los  rebeldes Taiping  conquistaron una serie de importantes ciudades en el este de China, causando una afluencia de refugiados desde el sur de Jiangsu y Zhejiang que  huyeron hacia Shanghai, por la relativa seguridad que ofrecían  las concesiones extranjeras. Esto condujo a un aumento masivo en la demanda de viviendas. Y se inició la construcción en madera  de casas alineadas. Pero estos edificios eran tan vulnerables al fuego que comenzaron a construirse con materiales  menos inflamables y de carácter más permanente, como la piedra y el ladrillo. Así, el estilo shikumen nació, al  norte de las colonias extranjeras en Shanghai.

 Estos edificios reflejan una mezcla de estilos arquitectónicos chinos y occidentales y también una forma de vivir. Es una mezcla de las  casas británicas con la casa con patio tradicional china. Detrás de la puerta de un  Shikumen encontramos  un patio, y más adentro una sala de estar o salón, luego está el patio trasero, la cocina y la puerta de atrás. A los lados del patio y el salón se abren las habitaciones del ala derecha y la izquierda. El diseño de la segunda planta es similar a la de abajo, pero por encima de la cocina es la buhardilla, cubierta con un  techo plano. El patio está protegido por un alto muro de ladrillos. Cada residencia está conectada y dispuesta en callejones rectos.

 Después de la década de 1920, se instalaron sistemas de alcantarillado.
En la  década de 1930, Shanghai se enfrentó a una escasez de viviendas, por lo que los propietarios de edificios de estilo Shikumen alquilan  parte de las instalaciones. Desde entonces la mayoría de edificios de estilo Shikumen han tenido sus diseños originales alterados y se pasaron a ser de mansiones para una familia a viviendas en las que se instalaban  más de una familia. En las décadas comunistas las casas shikumen se siguieron fraccionando hasta albergar una familia en cada habitación

En su apogeo, los barrios de estilo Shikumen estilo eran más de 9000 en Shanghai y suponía  el 60 por ciento del espacio total de viviendas de la ciudad. El estilo Shikumen, que ha sobrevivido por más de un siglo, ya no es propicio para la vida urbana moderna.

 En la década de los 90, cuando  el líder chino Deng Xiaoping inició su política de puertas abiertas para estimular el crecimiento económico, favoreció la  afluencia occidental y un gran desarrollo de Shanghai. Esto trajo  que se  elevara valor de la tierra a niveles especulativos, por lo que las viejas viviendas fueron vulnerables a la reurbanización. Esto ha llevado al gobierno a iniciar una política de comprar a los residentes en estas zonas valiosas sus tierras o casas y la reubicación de los residentes de las torres residenciales construidas acorde con la norma occidentalizada de una cocina y servicios sanitarios que muchas de las casas más viejas no tenían. Así pues, a lo largo de Shanghai los bloques Shikumen empezaron a ser rápidamente demolidos y reemplazados por  rascacielos.

Y, como suele pasar, al perderlos la gente comenzó a darse cuenta de que monumentos de Shanghai como las casas shikumen  merecen ser conservados. Esta conciencia ha llevado a mantener varios bloques de casas, eso sí adaptándolas al momento actual.

 

 

Marsé- Duprez

“Las consabidas lamentaciones susurradas siempre tan de cerca, y el olor zorruno del miedo y el cálido aliento pegado a la mejilla, pero todo eso a David no le hacer perder de vista la deslumbrante explosión de color y de música bajo el cielo azul de Bagdad. Ahora la princesa cierra los ojos ofreciendo sus labios rojos al  beso traicionero de la negra boca de Conrad Veidt, y él siente una repentina dulzura en el espinazo, un gusanito de  miel subiendo despacio desde el ojete hasta el cerebro, y no acierta a saber si esa dulzura rampante la provoca la hermosa boca de June Duprez abriéndose como una rosa de fuego o la mano juguetona y temblorosa del amigo, baldado una vez más por el bestia del ex legionario.”

Rabos de lagartija. Juan Marsé.

June Duprez nació en Teddington, Inglaterra, durante un ataque aéreo el 14 de mayo de 1918.

Su padre, Fred Duprez , fue un actor estadounidense que encontró trabajo en el teatro y el cine en Inglaterra. June ​​hizo su debut en el cine como extra en 1935. Se casó muy joven, y aunque inicialmente su marido fue un apoyo importante en su decisión de dedicarse al mundo del cine, conforme June fue encontrando un hueco en la industria cinematográfica y empezó a ser más conocida, su marido adoptó una actitud muy posesiva que terminó por acaar con el matrimonio. Sus sensuales y exóticas apariciones en películas británicas como El espía negro (1939), Las cuatro plumas (1939) y, sobre todo, El ladrón de Bagdad (1940) la convirtieron en una estrella. 

 

Se traslado a Hollywood y permaneció allí durante la Segunda Guerra Mundial. Su agente fijo un precio excesivamente alto por su participación en los rodajes, por lo que June se encontró con dificultades para trabajar en el Hollywood de los años 40 ( su más notable participación fue en “Un corazón en peligro” junto a Gary Grant), por lo que decidió abandonar la meca del cine y trabajar en Broadway, hasta 1948, cuando decidió retirarse por completo del mundo del espectáculo. 

Se casó por segunda vez, tuvo dos hijas, y tras vivir algún tiempo en Roma, se instaló tras su divorcio en 1965 en Londres, donde falleció en 1984, a los 66 años tras una larga enfermedad.

Benedetti- Filippo Lippi

“Abrí la puerta y me hice a un lado para que ella pasara. Entró a pasitos cortos, mirándolo todo con extrema atención, como si hubiera querido ir absorbiendo lentamente la luz, el clima, el olor. Pasó una mano por la mesa libro, luego por el tapizado del sofá. Ni siquiera miró hacia el dormitorio. Se sentó, quiso sonreír y no pudo. Me pareció que le temblaban las piernas. Miró las reproducciones de la pared: “Botticelli”, dijo, equivocándose. Era Filippo Lippi. Ya habrá tiempo de aclarárselo”

La tregua. Mario Benedetti.

Filippo Lippi fue un pintor italiano, nacido en Florencia en 1406. Huérfano de padre y madre, a los ocho años fue puesto bajo la custodia de los monjes del Carmen en su ciudad natal, orden en la que profesó en 1421. 

 

 

 

 

Influido por Masaccio, del que fue el discípulo más directo, dio a los temas tradicionales una nueva intensidad, en especial por su concepción del espacio y por su búsqueda de los efectos de color. Su Adoración del Niño posee un lirismo que influiría de forma notable en sus contemporáneos. Fraile carmelita, vivió amancebado con la monja Lucrezia Buti, su modelo, de la que tuvo un hijo, Filippino. Su vida escandalosa le acarreó muchos problemas, pero no le impidió llevar a cabo su obra, de la que destacan los frescos del ábside de la catedral de Prato (1452-1464) y los del coro de la catedral de Spoleto, que empezó en 1466 con su amigo y discípulo Fra Diamante. Filippo Lippi ocupa un destacado lugar entre los pintores del quattrocento italiano, sobresaliendo por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el dibujo, que influyó decisivamente en Botticelli.

Cinco años más joven que Masaccio y probablemente su alumno, Filippo Lippi fue un monje carmelita que inicialmente siguió con absoluta fidelidad las fórmulas del maestro para después, en el período central de su vida artística, acercarse al estilo coloreado de Fra Angelico, aunque buscando siempre en su pintura soluciones originales. De aquella primera época masacciesca son, entre otras obras, los frescos de la iglesia del Carmine de Florencia realizados en torno a 1432 y la Virgen de la Humildad (1430-1432, castillo de los Sforza, Milán). 

No obstante, su primera obra fechada en 1437 es la Madonna Tarquinia (Museo del palacio Barberini, Roma), en la que conjuga la influencia de Masaccio con la de Donatello y los artistas flamencos. En el retablo Barbadori (1437-1438, Museo del Louvre, París), inmediatamente posterior, Lippi aborda de nuevo el esquema compositivo de la sacra conversazione, superando la fragmentación en tablas separadas que caracterizaba hasta entonces a los trípticos con el propósito de obtener una composición unificada: las antiguas figuras laterales arrodilladas se integran en un todo de forma piramidal.

Este procedimiento hace que sus pinturas tiendan a presentar un espacio discontinuo, excesivamente lleno de objetos, formas y motivos secundarios. Sin embargo, Lippi acierta a contener esta densidad y transformarla con una gran habilidad por medio de la gran variedad cromática de su paleta y con la sutileza de sus difuminados, como es patente en la célebre Coronación de la Virgen (Galería de los Uffizi, Florencia) obra que realizó entre los años 1441 y 1447.

Fruto de la dulcificación de su inicial plasticismo, debida a la búsqueda de una mayor elegancia de líneas y a la necesidad de profundizar en las delicadas transparencias cromáticas, son dos anunciaciones (Galería Nacional de Roma y Alte Pinakothek, Munich), una Virgen con el Niño (Museo Mediceo, Florencia), la Adoración de los Magos (National Gallery of Art, Washington) y la Visión de San Bernardo (National Gallery, Londres), todas ellas fechadas entre 1441 y 1447.

La influencia de Fra Angelico se acentúa desde 1452 hasta 1464 en la más vasta empresa de la pintura de Lippi: la realización de los frescos para el coro de la catedral de Prato, donde será auxiliado por su discípulo y colaborador, Fra Diamante de Terranova. Allí pinta la Vida de San Esteban y San Juan desplegando una capacidad narrativa viva y eficaz, al mismo tiempo teñida de una vibrante poesía, que por su extraordinario equilibrio compositivo marca la cumbre de su madurez artística.

De entre estas escenas, ambientadas tanto en fantásticos paisajes rupestres como en ornamentados escenarios arquitectónicos que siguen rotundas perspectivas, quizás la más famosa sea la del Festín de Herodes, que anticipa el arte de Botticelli. 

Del año 1452 es también el tondo Virgen con el Niño y las escenas de la vida de María (Palacio Pitti, Florencia), una de las obras más bellas sobre este tema que el pintor realizará a lo largo de su vida, tratado en esta ocasión con sutiles gamas cromáticas basadas en ocres, verdes y dorados.

Poco amigo de la vida claustral, Lippi era en 1456 capellán del convento de Santa Margarita, en Prato, cuando se fugó con una de las monjas, Lucrezia Buti, unión de la que nacería el también pintor Filippino Lippi. Felizmente fue absuelto por el papa Pío II, pudo casarse con la madre de su hijo y continuar su carrera, lo que nos permite gozar de sus últimos trabajos: tres espléndidas tablas con La Virgen adorando al Niño (dos en la Galería de los Uffizi, Florencia y otra en la Gemäldegalerie, Berlín), realizadas entre 1458 y 1463, y por último la extraordinaria Virgen y el Niño con dos ángeles (Galería de los Uffizi, Florencia), de 1465, que cierra el ciclo de sus delicadas vírgenes con niño en las que supo siempre fundir la seriedad moral del arte de Masaccio con la inspiración religiosa de Fra Angelico, ofreciendo una visión propia de estos personajes sagrados llena de cordial afectividad, íntima ternura y perfección realista.

Carvalho - Klee - Vázquez Montalbán

“Bordeó la piscina cubierta por un plástico azul. Las sillas volantes de un columpio tomaban la luz de la luna. Se sentó en una de ellas y se dio impulso para columpiarse. Subía y bajaba en un silencioso vavivén de columpio bien y recientemente engrasado. Subía hacia una luna ojerosa y bajaba para recuperar el brillo diamantífero de una gravilla rica. Un sapo voluntarioso pasó bajo en sillón volante y se fue hacia la piscina. Desapareció bajo la cubierta de plástico en las aguas paralíticas. Carvalho subía hacia los cielos de impotentes oscuridades para tanta luna. Era el mismo cielo de la cárcel de Lérida convertido en un camino de huida imaginaria en una realidad cercada por cuatro puntos cardinales de piedra. Algún camarada le había mandado una postal que reproducía un cuadro mágico de Klee. La luna era una pelota roja jugando sobre los tejados de una ciudad cúbica”.

Asesinato en el Comité Central. Manuel Vázquez Montalbán.

El cuadro mágico de Klee al que se refiere el protagonista es "Castillo y Sol" de 1928.

 

Este óleo, que anticipa los resultados alcanzados tras el importante viaje a Túnez pero es también deudor del viaje italiano del otoño de 1926, en el que el autor había podido admirar los mosaicos de Rávena, recoge las múltiples direcciones en las que hasta entonces se ha desarrollado el arte de Klee: el módulo formal del cuadradito, el elemento del sol, repetidas veces incluido en las composiciones kleenianas y aquí con un papel dominante, suspendido en un firmamento casi uniforme y encajado entre las agujas del castillo-, la investigación sobre el color resuelta en una caleidoscópica combinación de tonalidades diversas y, en fin, el tema del "cuadro dentro del cuadro", introducido por el doble borde, que ocupa aquí tres lados de la composición. El año 1928 es también el del escrito al que se debe la fortuna teórica de Klee; se titula Investigaciones exactas en el ámbito del arte, está centrado en temas del Racionalismo y se publicó en la revista de la Bauhaus en la época del traslado de la sede a Dessau (la derecha municipal de Weimar se oponía a que la institución permaneciera en la ciudad). El texto defiende un equilibrio entre intuición artística y aspecto analítico-constructivo. Esta armonía se pone bien de manifiesto en la producción de Klee. En Castillo y sol, la dicotomía es paradigmática: la arquitectura del castillo, compuesta por precisas figuras geométricas, se opone a otra figura, de carácter simbólico, la esfera del sol. Ambos elementos se pueden considerar como metáforas del intento de conciliación teorizado por Klee.

Paul Klee fue un pintor suizo, nacido en Münchenbuchsee en 1879.  Hijo de un profesor de música, realizó estudios clásicos en Berna. Se inscribió en la Academia de Munich, donde tuvo como profesor a Franz von Stuck (1898-1900) y se familiarizó con las teorías del Jugendstil, que más tarde pondría en práctica en obras como Cabeza amenazadora (1905).

De regreso a Berna, prosiguió su período formativo centrándose en la música, lo gráfico, la lectura de clásicos y en la observación de las obras de Blake, Klimt, Goya y, en París, de Leonardo y Rembrandt. Posteriormente realizó una serie de dibujos inspirados en Van Gogh, Cézanne, Matisse y otros representantes de la escuela francesa.

En 1911 entró en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El caballero azul), lo que le permitió conocer a sus creadores, V. Kandinsky y F. Marc, así como a Kubin y a Macke, con quienes expuso al año siguiente en Berlín. En París se relacionó con Delaunay y el clima cubista y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color (en los que influyó notablemente su viaje a Tunicia, en 1914, con Louis Moilliet y Macke), con primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra.

En 1920 ingresó en la Bauhaus de Weimar, donde fortaleció su método de análisis, y en 1924, junto con Kandinsky, Feininger y Jawlensky, formó el grupo de los Blaue Vier (Los cuatro azules). Las obras realizadas durante este período están repletas de imágenes misteriosas y de zonas cromáticas acompañadas de tenues signos gráficos (Teatro botánico).

Tras ser profesor de la nueva Bauhaus de Dessau (1921-1930) y de la Academia de Düsseldorf (1931-1933), la condena nazi de su obra le obligó, en 1933, a exiliarse a Berna, donde, en claro paralelismo con la esclerodermia que contrajo, su producción adquirió un tono simbólico y dramático con elementos temáticos esquematizados progresivamente hasta convertirse en ideogramas (Un rostro y también el de un cuerpo, Tañedor de tímpanos, Muerte y fuego, Demonio, etc.).

Además de Diarios, Klee escribió artículos acerca del arte, que pueden considerarse como una teoría del arte moderno. En la actualidad, la mayoría de su obra se halla depositada en el Museo de Bellas Artes de Berna (fundación Klee).

Falleció en  Muralto en 1940.

 

Marsé - Montse - Luis Mariano.

“El mosén se ríe con los brazos en jarras. Al fondo del pasillo un grupo entona el Virolai, y luego Asturias, patria querida, dirigidos por el representante del obispo con una invisible batuta. Otros deambulan a lo largo del pasillo, se asoman a los lavabos, a los dormitorios, suben y bajan del segundo piso, con más dormitorios, e invaden alegremente el comedor, cuyas dos largas mesas ya están dispuestas para la cena. La masía es inmensa y complicada, y los muebles, rústicos y escasos, dormitan en una atmósfera monacal, severa. Señales de obras recientes, cicatrices en los muros, manchas de cemento aún sin encalar atestiguan que la casa ha sido acondicionada para albergar a mucha gente. Y ahora, ¿quién entona esa romántica canción de Luis Mariano? El mismísimo joven mosén. Contigo en la distancia, amada mía.”

La oscura historia de la prima Montse. Juan Marsé

El bolero "Contigo en la distancia" fue escrito a los 24 años de edad por César Portillo de la Luz en 1946. Actualmente es unos de los boleros más aclamados por parte de la discografía del canta-autor en la música anglosajona siendo interpretado por infinidades de cantantes tales como Christina Aguilera, Caetano Veloso, Plácido Domingo, Luis Miguel, José José, Belinda, David Bisbal, Susana Zabaleta, entre otros. Además ha aparecido en por lo menos 10 películas y es unas de las canciones más aclamadas para los concursos de canto en América Latina. Actualmente es el bolero con más créditos tomados para el canta-autor.

Luis Mariano Eusebio González García fue un actor español y cantante, principalmente de opereta. Afincado en Francia, nació en Irún en agosto de 1914 (aunque oficialmente conste 1920, fecha cambiada por su madre para evitar su incorporación a filas durante la Guerra Civil española). Destruida la casa familiar por un bombardeo, tuvo que convertirse en refugiado español al otro lado de la frontera, en Hendaya, Burdeos y finalmente París.

Tras cursar estudios en el Conservatorio de Burdeos, debutó en 1944 como cantante de ópera en el Palacio Chaillot de París, en el papel de Don Ernesto de Don Pasquale. Más inclinado hacia la canción ligera, poco después daría muestras de su calidad presentándose en la parisina sala Alhambra con un repertorio de boleros y temas románticos, núcleo de su posterior repertorio dentro del Music-Hall.

En 1945 comenzó a crecer su éxito entre el público francés, dentro del género de la opereta, con la colaboración del español de nacimiento y francés de adopción Francis López, con una serie de ocho obras (casi siempre en el teatro Chatelet) entre las que destacan La bella de Cádiz (1945), Andalucía (1947, con los clásicos El botijero y Olé, torero), El cantor de México (1951, con México, Acapulco, Ruiseñor, Maitechu...), El príncipe de Madrid (1967, en donde encarnaba el papel de Francisco de Goya) y, por último, La carabela de oro (1968), dos años antes de su muerte.

De entre sus múltiples intervenciones cinematográficas destacan las películas protagonizadas junto a Carmen Sevilla (El sueño de Andalucía de 1950, Violetas imperiales de 1952 y La bella de Cádiz, de 1953) y Lolita Sevilla (Milagro de París de 1954). Además de una infinidad de grabaciones con éxito, tanto en Francia como en Sudamérica (y en menor medida en nuestro país, debido en parte a sus opiniones políticas y su mal vista homosexualidad), mantuvo espectáculos propios tanto en la radio como en la televisión gala. En 1966 era considerado como una de las más grandes figuras del panorama musical francés, en el que ya se había hecho un hueco importante, especialmente desde 1957, cuando, junto a Gloria Lasso, obtuvo un impresionante éxito con el dúo del tema Canastos, luego repetido en España en su versión adaptada al castellano por Jesús Arozamena, uno de sus colaboradores habituales.

 

Viento del ESte, Viento del Oeste - Dinastia Ming - Pearl S. Buck

“No debes creer que con todo eso la vida era triste en casa: al contrario, era una vida feliz, y muchas de nuestras vecinas envidiaban a mi madre a causa del respeto con que mi padre la trataba y que no había dejado de profesarle, por su inteligencia y la hábil dirección de la casa; mi madre pasaba, en un silencio ecuánime y generoso, los excesos de mi padre.

Así vivían honorablemente en paz.

¡Oh, mi querida casa! Las imágenes de mi infancia acuden a mi memoria como las figuras de una linterna mágica. He aquí el patio donde, cuando amanecía, me gustaba ver abrirse la flor de loto en el estanque, y la peonía florecer en la terraza. Allí están las habitaciones interiores: en el suelo de ladrillos juegan los niños; ante los nichos de los dioses arden velitas de cera. En la habitación de mi madre, una figura severa, inclinada sobre un libro…, en el fondo de la enorme cama de baldaquino.

De todas las habitaciones de la casa prefería la sala de huéspedes, con sus macizas cajas de madera negra de teca, la larga mesa esculpida, los estores de seda roja. Sobre la mesa, en la pared, se hallaba una pintura del último emperador Ming.”

Viento del Este, Viento del Oeste. Pearl S. Buck

El emperador Sizong fue el último emperador de la dinastía Ming, reinando durante 17 años. 

A finales de la dinastía Ming, China estaba en decadencia debido a la corrupción del gobierno perpetrada por los emperadores anteriores y la privación de derechos que sentía la población. Quería revivir la dinastía y mejorar su posición política. Creó seis caracteres chinos, que significan "no hagas daño a cualquier gente común”. 

Sin embargo su personalidad impetuosa y terquedad, hicieron la situación peor en la nación. Él subió los impuestos y dirigió una carga militar contra los campesinos en el norte de China. El emperador Sizong se ahorcó a los 34 o 35 años de edad.

Casta Diva - La Regenta

“¡Todo Vetusta me había visto los pies desnudos, en medio de una procesión, casi casi del brazo de Vinagre! ¡Y tres días con los pies abrasados por dolores que me avergonzaban, inmóvil en una butaca! Llamé a Somoza que se excusó. Vino el sustituto Benítez, silencioso, frio; pero comprendí que me observaba con atención cuando yo no lo miraba. Debía de creer que yo me iba volviendo loca. Él lo niega, dice que todo aquello lo explica la exaltación religiosa y la exquisita moralidad con que decidí sacrificarme al bien del que creía ofendido por mis pensamientos y mis desaires. Benítez cuando se decide a hablar parece también un confesor. Yo le he dicho secretos de mi vida interior como quién revela síntomas de una enfermedad. Conocía yo cuando le hablaba de estas cosas, que él, a pesar de su rostro impasible, me estaba aprendiendo de memoria… El mal subió de los pies de la cama… y sentí aquel terror… aquel terror pánico a la locura. De esto no quiero hablar ni conmigo misma. Lo dejo por hoy; voy al piano a recordar la Casta Diva…”

La Regenta. Leopoldo Alas “Clarín”.

Casta Diva es un aria de la ópera Norma de Vincenzo Bellini en la que su protagonista Norma dirige una plegaria a la Luna. Norma es una de las cumbres del bel canto romántico y uno de los papeles más difíciles de todo el repertorio lírico.

El aria de la invocación a la Luna Casta Diva se sucede inmediatamente después de la entrada de la sacerdotisa druida Norma en el primer acto, cuando corta una rama de muérdago sagrado como ofrenda al dios Irminsul.

Musicalmente se divide en dos partes: aria y cabaletta. Callas impulsó la revitalización del belcanto romántico y Casta Diva fue su aria emblemática. La sucedieron Joan Sutherland y Montserrat Caballé además de Renata Scotto, Renata Tebaldi….

Xilografía+Collage

Xilografia más Chiné Collé. 

Varias versiones sobre la Catedral de Granada.

(Realizadas en el Taller de Grabado "La Granja, con la inestimable ayuda y consejos de Emilio Luis)

 

Yoshikawa - Yang Kuei-fei - Musashi

“ Sobre el musgo aferrado al tejado de paja voladizo crecían unas flores diminutas, y se percibía en el aire la agradable fragancia de un incienso peculiar. Aunque no lo veía, llegaba a sus oídos el rumor del arroyo que atravesaba el bosquecillo de bambúes, La misma estancia producía una sensación de serena elegancia, comedido recordatorio de que el dueño de aquella vivienda sin pretensiones era el segundo hijo de Sanada Masayuki, señor del castillo de Ueda y receptor de unos ingresos de ciento noventa mil fanegas.

Los postes y las vigas eran delgados, el techo bajo, La pared detrás del pequeño y rústico tokonoma era de arcilla roja y tenía una acabado rudo. El arreglo floral en el lugar de honor consistía en una sola ramita con flores de peral en un esbelto florero de cerámica amarillo y verde claro. Sado pensó en la solitaria flor de peral de Po Chü-i, regada por la lluvia primaveral y en el amor que unía al emperador chino y Yang Kuei-fei…,”

Mushashi 5: El camino de la vida y la muerte. Eiji Yoshikawa. 

Yang Guifei o Yang Kwei Fei (chino simplificado: chino tradicional): pinyin: Yáng Guìfēi; literalmente Yang: “Honorable princesa consorte”, Guifei: ”Concubina imperial de alto rango”; 26 de junio de 719 – 15 de julio de 756), nacida como Yang Yuhuan (楊玉環), fue una de las Cuatro Bellezas de la Antigua China. 

Fue la consorte favorita del Emperador Xuanzong por muchos años, pero fue ejecutada (junto con sus parientes cercanos) después de que las tropas de la Guardia Imperial se convencieron de que la Rebelión de Anshi fue provocado por la familia Yang.

Yuhuan nació en Yongle, en la prefectura de Pu; fue hija de Yang Xuanyan, un sihu (oficial de finanzas y alimentos) de la prefectura de Shu. Poco después de la muerte de su padre, se casó a la edad de dieciséis años con uno de los hijos del Emperador Xuanzong, Li Mao, Príncipe Shou, de dieciséis años; Yuhuan asumió el título de “princesa Shou”. 

Tres años después de la muerte de la consorte del Emperador Xuanzong, Wu Huifei, en 737; el consejero eunuco de alto rango Gao Lishi, acordó reunir al emperador con la princesa en el Palacio del Manantial de Xingwen. El emperador, se cautivó de manera inmediata con ella y quería hacerla su concubina, pero debió hacerlo de una manera discreta. Obligó a la princesa a divorciarse de su esposo el príncipe Li Mao, se convirtió en una monja taoísta con el nombre de Taizhen (“Verdad Suprema”) y vivió en el Palacio Taizhen, como cortesana. Cinco años después, el Príncipe Li Mao tuvo otra esposa, la hija del General Yuan Zhaoxun; en ese momento Yang asumió el título de guifei (consorte imperial en primer grado), diferenciándose del resto del harén imperial. Desde el momento que el emperador conoció a Yang Guifei, perdió el juicio y se volvió negligente al favorecer los pedidos de su consorte, trayendo consigo un disgusto entre sus subordinados.